Al Teatro Abeliano due ore coinvolgenti di spettacolo per "I duellanti" di Alessio Boni e Roberto Aldorasi

Ma questa versione de “I duellanti” contiene altresì una penetrante riflessione sull’assurdo richiamo all’odio che una persona esercita su un’altra senza un apparente motivo, sul confronto dell’uomo con un’avversità incomprensibile ed inarrestabile, con un destino a cui non può sfuggire, con un’entità che è familiare più di quanto si creda, sino a rivelarsi il proprio perfetto alter ego, ma anche sul tema della doppia personalità, delle due nature che convivono in noi, dottor Jekyll e mister Hyde, bene e male, luce ed oscurità in perenne confronto, che si attraggono e respingono all’infinito; così le ragioni che potrebbero giustificare il duello vengono progressivamente dimenticate, quasi cancellate, allo scopo di evidenziare semplicemente l’introspezione dei caratteri ed il lato irrazionale della sfida, lasciando intravedere solo in lontananza una parvenza di luce che possa riportare l’uomo sulla retta via dei sentimenti, dei rapporti sociali, della comunicazione. Lo scontro diventa l’unica ragione di vita non solo per Gabriel ma, quasi inconsapevolmente, anche per Armand, l’unico stimolo che riesca a smuoverlo da una esistenza fiacca ed irrisolta, l’unico vincolo che gli appaia indissolubile sino a quando non deciderà di sostituirlo con un nuovo, inscindibile – questo sì – legame, donandosi completamente alla sua giovane sposa che lo farà diventare padre: questo, e non la sconfitta di Gabriel, lo porterà ad essere l’unico vincitore di questa guerra di anime. Ma se, come detto, la vittoria non è sull’avversario bensì su se stesso, su quella tenace inclinazione ad accettarsi esclusivamente come riflesso dell’altro, l’avventura deve essere individuata in interiore hominis, e deve, per sua stessa natura, definirsi inesauribile, inestinguibile, inappagabile, infinita, come comprendiamo solamente nell’ultimo, magnifico frammento in cui i due protagonisti si liberano dei loro doppi narratori per tornare, sciabole sguainate, a porsi l’uno di fronte all’altro, en garde.

Ma il lavoro messo in cantiere da Boni e – forse ancor più – da Prayer non è solo congetture e filosofia: è tensione, voce, sudore, sangue, muscoli, spasimo, è quanto di più fisico possiate immaginare in due ore di vibrante spettacolo, erede di una drammaturgia che ha radici ben piantate nel nostro bagaglio e che credevamo perduta per sempre a causa di quella immotivata voglia di innovazione che, talora come una cura, più spesso come un virus, un morbo, ha attaccato e si è diffuso nel nostro teatro, talvolta portandolo a dolorosa morte. Coadiuvati dall’ottimo Francesco Meoni, interprete en travesti di tutti i ruoli di contorno, e con la bella presenza della brava violoncellista Federica Vecchio che esegue dal vivo le musiche di Luca D’Alberto, Alessio e Marcello offrono una prova d’attore superba, ipnotica, memorabile, tesa come corda di violino, dal ritmo più che serrato, che non concede un solo attimo di respiro allo spettatore, riuscendo magicamente a restituirci tutta l’epicità dell’opera conradiana, con accenni più o meno velati anche ai più celebri “Linea d’ombra” e “Cuore di tenebra”. Ricoprendo ogni angolo, ogni singolo millimetro delle magnifiche scene costruite da Massimo Troncanetti, i due sembrano davvero percorrere le migliaia di chilometri cui la lucida follia napoleonica li ha costretti, così da farci credere di essere stati davvero in Russia con entrambi o in esilio con il solo Gabriel, nella splendida scena in cui il generale rimosso giunge sino a citare i lamenti di Giobbe contenuti nella Bibbia. La loro perfetta rappresentazione dell’epopea conradiana è un atto d’amore nei confronti della sublime macchina del teatro, il migliore che potessimo aspettarci, un magnifico ritorno al futuro allo spettacolo che preferiamo.